Lesson 7
歌剧
概述
歌剧（意大利语：opera）是一门西方舞台表演艺术，简单而言就是主要或完全以歌唱和音乐来交代和表达剧情的戏剧。歌剧在17世纪，即1600年前后出现在意大利的佛罗伦萨，它源自古希腊戏剧的剧场音乐。歌剧的演出和戏剧的所需一样，都要凭借剧场的典型元素，如背景、戏服以及表演等。一般而言，较之其他戏剧不同的是，歌剧表演更加突显歌唱元素和歌手的声乐技巧等。歌手和合唱团加之乐队负责伴奏，早期歌剧乐队的规模较小，到浪漫主义时期歌剧乐队则采用完整的管弦乐队。歌剧中还会穿插舞蹈表演，如不少法国歌剧都会有一场芭蕾舞或其他舞蹈的表演。歌剧被视为西方古典传统音乐的一部分，而近代的音乐剧被视为歌剧的现代版本。
歌剧起源
歌剧最早出现在17世纪的意大利，后传播到欧洲各国，德国的海因里希·许茨、法国的让·巴普蒂斯特·吕利和英格兰的亨利·珀赛尔分别在他们自己的国家开创了歌剧的先河。到18世纪，意大利歌剧依然是欧洲的主流。
1760年德国作曲家格鲁克对歌剧当时的现状进行了改革，推出“革新歌剧”，以对抗意大利正歌剧的矫揉造作。到18世纪奥地利作曲家莫扎特创作出多部经典的以传统意大利风格的喜歌剧，风行各地，尤以《费加罗的婚礼》、《唐·乔望尼》、《女人心》和《后宫诱逃》等，为人称颂。而莫扎特的最后两部歌剧《魔笛》、《狄多王的仁慈》更是德语歌剧的标志性作品。
19世纪初期是意大利美声唱法 (bell canto) 风格歌剧的高峰期，风行当时的罗西尼、唐尼采蒂和贝利尼被称为意大利歌剧三剑客，时至今日，他们的作品依然常见于欧美的歌剧舞台。
19世纪中后期被誉为歌剧的“黄金时期”其中以理查德·瓦格纳为主导和改革创新的德国歌剧及以朱佩·威尔第为主导的传统意大利歌剧，各领风骚。
整个19世纪，在中东欧地区，尤其是俄罗斯和波希米亚，民族乐派的崛起造就了当地和西欧平行发展的许多歌剧作品。
20世纪初歌剧继续发展，演变出各种不同风格：意大利的贾科莫·普契尼、德国的理查德·施特劳斯和法国的乔治·比才的作品等。
整个20世纪，现代风格元素常被尝试加入歌剧当中，如阿诺德·勋伯格和阿尔班·贝尔格的无调性手法和十二音阶作曲法，以伊戈尔·斯特拉文斯基为代表的新古典主义音乐等。
歌剧的发展
18 世纪
1760 年 德国古典主义作曲家克里斯多弗-格鲁克针对当时那不勒斯歌剧的平庸、浮浅，力主歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应纯朴、自然。他的主张和《奥菲欧与优丽狄茜》、《伊菲姬尼在奥利德》等作品对后世歌剧的发展有着很大的影响。18世纪奥地利作曲家沃尔夫冈-阿马德乌斯-莫扎特的歌剧作品使歌剧进入了一个充分发展的阶段一甚至达到了可能从未被超越的巅峰。他创作的以传统意大利风格的歌剧作品《后宫诱逃》（The Abduction from the Seraglio）、《贵加罗的婚礼》（The Marriage of Figaro）、《唐璜》（Don Giovanni）、《女人心》（Cosi fan tutte）及《魔笛》（Magic flute）、《狄多王的仁慈》（La clemenza di Tito）两部德语歌剧的标志性作品，代表了歌剧音乐从古典主义到浪漫主义风格过渡的一个重要阶段
19 世纪
意大利的罗西尼、威尔第、普契尼，德国的瓦格纳、法国的比才、俄罗斯的柴科夫斯基等歌剧大师为歌剧的发展作出了重要贡献。这一时期形成了以威尔第为主导的传统意大利歌剧及以瓦格纳为主导的德国歌剧两大阵营的格局。其次，成型于18世纪的“轻歌剧”（operetta，意为：小歌剧）已演进、发展成为一种独立的体裁。它的特点是：结构短小、音乐通俗，除独唱、重唱、合唱、舞蹈外，还用说白，给后来音乐剧的形成打下了基础。
20 世纪
歌剧作曲家中，初期的代表人物是受瓦格纳影响的理查德·施特劳斯，代表作：《莎乐美》、《玫瑰骑士》：第一次世界大战后是将无调性原则运用于歌剧创作中的贝尔格《沃采克》：40年代迄今则有：斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫、米约、曼诺蒂、巴比尔、奥尔夫、贾纳斯岱拉、亨策、莫尔以及英国著名的作曲家勃里顿等，这些作曲家所创作的歌剧作品像其他的音乐作品一样都具有反传统的革新意识和较强的实验性，及与各式各样的现代哲学思潮、现代文化艺术流派相联系，现代歌剧己经具备了自己的风格和目标。作为人类人文艺术的巅峰成就之一，歌剧鼓舞着现代作曲家努力攀登它的高峰。
歌剧唱腔
歌手所扮演的角色依照他们各自不同的音域（tessitura）、敏捷度、力量和音色（timbre）来分类。男歌手由音域低至高分为：男低音、男中低音、男中音、男高音、假声男高音（countertenor）。女歌手由音域低至高分为：女低音、次女高音以及女高音。女高音也可细分为花腔女高音和抒情女高音等不同种类。基本上男声的音域皆低于所有女声，但某些假声男高音能唱到女低音的音域。而假声男高音唱多见于古代谱写的由阉伶所唱的角色。虽然不能全面准确的形容各类声音，但能把不同的声音归类，配入歌剧的不同角色当中去。有些歌手的声音会发生剧烈的变化，或者在而立之年甚至人到中年，声音才达致成熟的辉煌状态。
角色与唱腔
声乐
歌剧中的声乐部分包括独唱、重唱与合唱，歌词就是剧中人物的台词，器乐部分通常在全剧开幕时有序曲或前奏曲，幕与幕之间常用间奏曲连接，或每幕有自己的前奏曲。歌剧的音乐结构可以由相对独立的音乐片断连接而成，也可以是连续不断发展的统一结构。歌剧中重要的声乐样式有诵调、咏叹调、小咏叹调、宣叙调、重唱、合唱等；其体裁样式有正歌剧、喜歌剧、大歌剧、小歌剧、轻歌剧、等。
咏叹调
咏叹调是歌剧中角色抒发感情的主要唱段，它们的音乐旋律性强，结构完整，能表现歌唱家的声乐演唱技巧，是歌剧中相对独立的独唱曲，因而我们经常也会在音乐会上听到它们，如《蝴蝶夫人》的咏叹调“晴朗的一天”，《茶花女》的咏叹调“为什么我的心这么激动”和《图兰朵》中卡拉夫的咏叹调“今夜无人入睡”等。
宣叙调
欧洲早期歌剧的宣叙调旋律性不强，不具歌唱性，用羽键琴弹奏和弦演员用说唱的方式来叙述，是歌剧剧情发展的主要对话道白形式，它虽不是很旋律化，但便于与前后的歌唱衔接。到19世纪，随着歌剧宣叙调的逐渐旋律化，宣叙调的特性也就随之淡化了。
重唱
重唱就是几个不同的角色按照角色各自特定的情绪和戏剧情节同时歌唱，两个人同时唱的，叫二重唱，如把多个不同角色演唱不同内容组织在一个作品里，就可能是三重唱、四重唱、五重唱，在罗西尼的《塞维尼亚理发师》里有六重唱，在莫扎特的《费加罗的婚礼》里甚至有七重唱，十几个人一起唱，作曲家卓越的功力就表现在能把那么多不同的戏剧音乐形象同时组织在一个协调、富有表情的音乐段落里面，这在中国的传统戏曲表演中是没有的。
合唱
还有一个形式就是群众场面的合唱，它可以根据剧情要求是男声的、女声的、男女混声的，或者童声的。
音乐剧
概述
音乐剧（Music theater）是由轻歌剧演变而米。19世纪末，20世纪上半叶在英国和美国获得极大的发展，继而风靡全世界。与歌剧一样，它是囊括音乐、舞蹈、戏剧、舞台美术以及高科技的灯光、音响等诸多元素的综合性体裁。它不像歌剧那样突出某一项的重要性，而是更加强调综合性：音乐、歌唱、舞蹈、戏剧等都是不可缺少的组成部分，在风格上则融合传统歌剧，现代通俗音乐如：爵士乐、摇滚乐、乡村音乐，迪斯科等，歌曲演唱不拘方法。题材内容广泛，从幻想的、现实的到古典名著改编甚至宗教性质的，应有尽有。以美国百老汇音乐剧和伦敦音乐剧为杰出代表，如：《西区故事》、《音乐之声》、《猫》和《悲慘世界》等。
风格分类
百老汇音乐剧
百老汇音乐剧 (Broadway Musicals) 的前身是黑人游艺表演、滑稽剧、歌舞杂剧等，比较多地受爵士乐、摇摆乐的影响，其舞蹈有独创的百老汇风格。它把歌曲、舞蹈和故事情节、话剧表演结合起来。可以说，是音乐剧把美国风格的爵士乐和与爵士乐配合得摇摆性很强的舞蹈成功地结合在一起。《俄克拉荷马》(Oklahoma)、《西区故事》(West Side Story)、《歌舞线上》(AChorus Line) 都是在百老汇相继走红的重要音乐剧剧目。
伦敦西区音乐剧
伦敦西区音乐剧更多地受歌剧和轻歌剧的影响。英国音乐剧的发展很少在舞蹈方面做特别突出的改进，这里的艺术形式的结合是把歌剧、轻歌剧的传统以及音乐喜剧的传统与爵士乐、踢踏舞和芭蕾进行一定程度的结合。在风格上，伦敦音乐剧偏重音乐，舞蹈相对较少，它非常注重把舞台上的各种技术一一布景、服装、灯光等与其他手段结合起来。《歌剧魅影》(LeFantome de L'Opera)、《悲慘世界》（Les Miserables）、《猫》（Cats）都是伦敦音乐剧的重要标志性剧目。
歌剧与音乐剧比较
歌剧和音乐剧的区别，音乐剧常运用一些不同类型的流行音乐以及流行音乐的乐器编制：在音乐剧里可以出现没有音乐伴奏的对白，也没有像歌剧中的一些传统表现形式，如宜叙调和咏叹调，歌唱的方法也不拘一格。但音乐剧和歌剧的区分界线仍然有不少学者争议，例如格什温（Gershwin）作曲的《波吉与贝丝》（Porgy and Bess）就曾同时被人称作歌剧和音乐剧。一些音乐剧如《悲慘世界》是从头到尾都有音乐伴奏，而一些歌剧如《卡门》却有无伴奏对白。
音乐剧普遍比歌剧有更多舞蹈的成份，早期的音乐剧甚至是没有剧本的歌舞表演。虽然著名的歌剧作曲家瓦格纳（Richard Wagner）在十九世纪中期已经提出总体艺术，认为音乐和戏剧应融合为一。但在瓦格纳的乐剧（musicdrama）里面音乐依然是主导，相比之下，音乐剧里戏剧、舞蹈的成份更重要。